Краткое содержание Дон Жуан, или каменный гость Мольер

1. XVII век как особая культурно-историческая эпоха. Барокко и классицизм.

К кон. 16-го в. искусство и литература подошли к творческому кризису. Ренессансная идея господства человека в мире благополучно скончалась. В Ренессансе считалось, что мир – это место, где человек должен реализовать свое «я», гуманисты верили, что человечество посвятит себя творческому процессу. А на самом деле мир оказался ареной кровопролитных войн – религиозных, гражданских, захватнических («смерть наше ремесло»).

Вместо линейной ренессансной перспективы – «странная барочная перспектива»: двойное пространство, зеркальность, что символизировало иллюзорность представлений о мире. Мир расколот, движется, отсюда – тема быстротечности человеческой жизни и времени вообще, краткосрочность бытия человека. Искусство барокко стремилось соотносить человека с природой, космосом, оно пронизано переживанием конечности человеческого существования перед бесконечностью вселенной. Причудливые, экспрессивные формы, для искусства барокко важна динамика, дисгармония, экспрессия. Призвана выражать неуловимость мира и иллюзорность наших представлений о нем. «Человек больше не центр мира, а квинтэссенция праха» (Гамлет).

Противопоставлены: высокое и наука, земное и небесное, духовное и телесное, реальность и иллюзия. Ни в чем нет ясности, цельности.

Представители барокко: Гонгоро, Кальдерон (Испания),

В то же время возникает классицизм. Истолкователи классицизма обычно объявляют важнейшей чертой классицистской поэтики её нормативный характер. Теоретическая мысль классицизма, опережая художественную практику и задолго до появления наиболее полного и авторитетного, получившего всеевропейское значение свода классицистских законов – «Поэтического искусства» Никола Буало (1674), сформировала свод законов и правил, обязательных для всех деятелей искусства. И всё же многие сторонники классицизма далеко не всегда строго соблюдали его правила.

Верховным «судьей» прекрасного классицисты объявили «хороший вкус», обусловленный «вечными и неизменными» законами разума. Образцом и идеалом воплощения законов разума и, следовательно, хорошего вкуса классицисты признавали античное искусство, а поэтики Аристотеля и Горация истолковывались как изложение этих законов.

Сторонники классицизма возвращаются к ренессансному принципу «подражания природе». В истолковании классицистов он предполагал не правдивость воспроизведения действительности, а правдоподобие под которым они подразумевали изображение вещей не такими, каковы они в реальности, а такими, какими они должны быть согласно разуму. Отсюда важнейший вывод: предметом искусства является не вся природа, а лишь ее частьЖизнь, ее безобразные стороны должны предстать в искусстве облагороженными, эстетически прекрасными, природа – «прекрасной природой», доставляющей эстетическое наслаждение.

25 стр., 12060 слов

016_Человек. Его строение. Тонкий Мир

... трудно и несовместимо с земными условиями. Тело человека – это не человек, а только проводник его духа, футляр, в ... весьма интересные и поучительные впечатления. Главное существование (человека) – ночью. Обычный человек без сна в обычных условиях может прожить ... неясности и туманности… Инструментом познавания становится сам человек, и от усовершенствования его аппарата, как физического, так ...

Буало:

1) гармония и соразмерность частей;

2) логическая стройность и лаконизм композиции;

3) простота сюжета;

4) ясность и четкость языка;

5) отрицание фантастики (кроме античной мифологии, трактуемой как «разумная»)

В отличие от барокко, которое к концу 17 века практически исчерпало свои художественные возможности и уступило место другим направлениям, классицизм оказался очень стойким и жизнеспособным, просуществовав в европейской культуре вплоть до 19 столетия.

Признанным центром классицизма 17 века стала Франция. Здесь он сформировался ранее всего, здесь же он принял наиболее законченные формы.

Представители классицизма: Корнель, Расин, Мольер (Франция)

2. Происхождение и общественная роль театра в Испании. Трактат Лопе де Вега “Новое искусство”.

Свои воззрения на драму Лопе де Вега — изложил в стихотворном трактате «Новое искусство сочинять комедии в наше время». Трактат этот был адресован Мадридской академии, то есть одному из тех литературных салонов, в которых утверждались и санкционировались идеалы учено-гуманистической литературы и высокие нормы классицистской поэзии.

«Новое искусство сочинять комедии» содержит ряд основных формулировок национальной драматургической системы и охватывает узловые моменты той борьбы между сторонниками ренессансного классицизма (Архенсола, Рей де Артьеда, Суарес де Фигероа, Олива де Сабуко и др.) и приверженцами национального своеобразия драмы (Хуан де ла Куэва, Карлос Бойль, Рикардо де Турия, Тирсо де Молина), которая закончилась победой национального стиля.

Обращает на себя внимание резкая полемичность самого заглавия трактата, ибо использованный в нем термин «arte» — «искусство, наука» — присваивался до тех пор именно классицистской системе драмы и указывал на ее высокую литературность, ученость и связь с заветами античной науки о поэзии. Все, что выходило за пределы классицистской нормы, считалось пригодным только для грубых умов и для примитивной эстетической культуры «простонародья» (el vulgo).

Трактат Лопе — это манифест новатора, это протест против утвержденных норм литературной науки.

Утверждая независимость национальной драмы, живущей не механическим следованием нормам античной поэтики, а интересами своего времени и своего широко демократического зрителя, — это утверждение красной нитью проходит через весь трактат, — Лопе строит свою полемическую тактику на стремлении, сохраняя видимый пиэтет к классицизму, обеспечить за национальной системой право на самостоятельную ценность и самостоятельное место, как массового, народного жанра драматической литературы. В его глазах это стремление оправдывается, в частности, и тем, что национальная драматургия фактически уже завоевала господство на народной сцене.

7 стр., 3115 слов

Коллоквиум № 1. Драматургия П.Кальдерона

...   Коллоквиум № 1. Драматургия П.Кальдерона   Литература: П.Кальдерон. Стойкий принц. Жизнь есть сон. Врач своей чести. Лопе де Вега. Руководство к сочинению комедий. (Хрестоматия по западноевропейской литературе ... Стойкий принц» и «Жизнь есть сон». 12. Специфика художественного пространства в философской драме «Жизнь есть сон». 13. Оппозиция рока (власти звезд) и свободной воли человека ...

Исходя из победы национальной системы, «Новое искусство» выдвигает ряд решительных утверждений, по существу своему опровергающих учено-классицистскую поэтику драматургии и основанных на творческой практике национальной драмы.

К этим утверждениям принадлежит, в частности, требование «смешения трагичного с забавным» или «смеси возвышенного и смешного», мотивируемое законами самой природы. Отрицая, таким образом, единство жанрового стиля драмы, Лопе, в согласии с практикой национальной системы, отрицает и единство времени и единство языкового облика драматического, произведения. Эти отрицания влекут за собой ряд положительных утверждений, основанных на мысли о том, что театр и драматургия являются достоянием народа и могут развиваться лишь на пути народной, демократической эстетики, которая является эстетикой реализма.

Пользуясь для обозначения понятия реализма термином «правдоподобие», Лопе подчиняет всю положительную сторону своего трактата идее жизни, воплощаемой в драме средствами национального художественного стиля. Лопе убежденно завершает свой трактат утверждением жизненного начала испанской комедии {Термином «комедия» (comedia) в старой испанской драматургии именовалась, независимо от характера ее сюжета, любая трехактная, написанная в стихотворной форме пьеса.}:

Самыми важными чертами национальной и демократической эстетики комедии, делающей ее комедией жизни, Лопе де Вега считает, кроме смешения «трагичного с забавным», свободного пользования временем и сменой мест действия, сочетания «высокого» и «низкого» речевых стилей, также и целостность действенной линии при разнообразии эпизодов, наличие многообразных поэтических размеров и форм, соответствующих тем или иным внутренним состояниям действующих лиц и внешним обстоятельствам действия, и наличие напряженного ритма драмы с ее типичным для испанского театра трехактным построением.

Лопе неоднократно подчеркивает особое значение интриги, как организующего начала драматургии, оценивая ее в плане воссоздания жизненной динамики событий, острых конфликтов, многообразных, сменяющих друг друга психологических состояний героев.

Что касается характеристики сюжетов комедии, то фактически он называет лишь две темы современной ему драматургии, далеко не исчерпывавшие, при всей их популярности, сюжетно-тематического многообразия испанского театра: чести и доблесть.

Объяснение этой очевидной ограниченности номенклатуры драматургической тематики можно искать лишь в своеобразном понимании драматургом терминов «честь» (el honor) и «доблесть» (la

3. Система жанров в драматургии Лопе де Вега. Конфликт чести в пьесе “Звезда Севильи”

Комедия Лопе явилась синтезом всех творческих устремлений испанского национального Возрождения, вобравшим в себя опыт смежных литературных жанров — романа, новеллы, эпической поэмы, лирики, народного романса и т. д.

8 стр., 3937 слов

Современный театр и драматургия

... комедии. Известны «ученая» комедия итальянских гуманистов и испанская комедия Лопе де Вега и Кальдерона, английская комедия эпохи Возрождения, французская классицистская комедия эпохи Просвещения, русская реалистическая комедия. ... произведениям присуши задорное веселье, злободневное отображение действительности. ДРАМА - один из ведущих жанров драматургии, начиная с эпохи Просвещения, в котором ...

В наследии Лопе де Вега мы встречаем все виды и все типы национальной драматургии, представленные в литературной и сценической терминологии эпохи названиями, лишь условно отвечавшими подлинному идейному и художественному содержанию того или иного произведения (Комедия плаща и шпаги, дворцовая комедия, комедия интриги, комедия случайностей и т. д.).

Основной фонд драматургии Лопе де Вега обнаруживает довольно отчетливое деление на комедии, группирующиеся вокруг проблем государственно-исторического, социально-политического и частно-бытового порядка.

С идеей ограничения абсолютистско-деспотической власти тесно связана замечательная драма «Звезда Севильи» («La Estrella de Sevilla», 1623), в которой Лопе де Вега с особой трагической остротой поставил вопрос об этико-политической природе абсолютизма, вступающего в конфликт с принципами

человеческой справедливости, высоких чувств и подлинного благородства простых людей. Действие пьесы отнесено ко времени правления кастильского короля Санчо IV (1284-1295).

Драматическую коллизию, возникающую из страсти короля к прекрасной Эстрелье, Лопе де Вега вставил в рамки столкновения деспотической власти с муниципальной демократией, придав тем самым индивидуальным конфликтам драмы широкую социально-политическую обобщенность.

В «Звезде Севильи», таким образом, разрабатывается ряд сложных в идейном и психологическом отношении проблем. Проблемы эти находят свое отображение и в тех внутренних, идейных и нравственных конфликтах у основных персонажей драмы, которыми движется ее действие. У Бусто Табера эти конфликты выражаются в столкновении высокого понимания сана государя с низменным злоупотреблением этим саном в действительности — злоупотреблением, приводящим к оскорблению его личной и семейной чести. Санчо Ортис переживает конфликт между своей преданностью королю, дружескими чувствами к Бусто и любовью к Эстрелье. В душе Эстрельи идет борьба между любовью к Санчо, как к жениху, и ненавистью к нему, как к убийце ее брата. На фоне этих глубоких психологических конфликтов «Звезда Севильи» рисует образ короля в крайне невыгодном свете. Санчо IV предстает здесь как король-деспот, приносящий в жертву своей прихоти жизнь, честь и доброе имя своих подданных, как

король-тиран, способный на незаконное, прикрываемое мнимым «государственным интересом» убийство. Его фаворит дон Ариас представляет собой еще более отрицательную в моральном отношении фигуру льстеца, надменного временщика и лукавого раба, подчиняющего своим преступным внушениям волю короля.

4. Жанровая природа пьесы Лопе де Вега “Овечий источник”.

Особую разновидность драм чести составляют крестьянские драмы чести, которые включают в себя и смерти, и оскорбления чести, и благополучный финал сам Лопе определял эти пьесы как трагикомедии. Самая знаменитая из такого рода драм — Фуэнте Овехуна Овечий источник, изображающая исторически засвидетельствованное крестьянское восстание в Фуэнте Овехуне — селении в провинции Кордова, вспыхнувшем 23 апреля 1476 г.Лопе изображает крестьян такими, какими его зрители хотели видеть крестьян в зеркале сцены: полными чувства собственного достоинства, духовно и интеллектуально равными горожанам и знати, а крестьянскую жизнь — как череду празднеств и приносящих благоденствие трудов. Крестьяне восстают на защиту своей чести от посягательств командора ордена Калатравы, в подчинении у которого находится село. Преследуя деревенских девушек своими домогательствами, командор посягает на основы социального порядка, цинично попирая кодекс чести: честью обладает каждый испанец-старый христианин. Драма только условно может быть отнесена к жарну комедии.

3 стр., 1060 слов

Шекспир, «Сон в летнюю ночь», Лопе де Вега «Собака на сене», ...

... тема трагикомедии, особенности ее развития. Образы Дон Жуана и Сганареля. 8. Пьеса «ДонЖуан» и каноны классицизма.   Конспектирование + письменное задание ... жанра высокой комедии. – М. : Искусство, 1967 7. Булгаков М. Жизнь господина де Мольера (будь-яке видання). 8. Бордонов. Мольер. – М.: ... 9-ти тт. – Т.3 – М.: Наука, 1985. 3. Плавскин З.И. Лопе де Вега: 1562 – 1635. – Л.-М., 1960. 4. Пинский ...

Драматург слил в действии своей пьесы историю восстания в Фуенте Овехуне, поход великого магистра ордена Калатравы дона Родриго Тельеса Хирона на г. Сьюдад Реаль с целью захватить власть в Кастилии, междоусобную войну за кастильский престол между королевой Исабелой и ее племянницей, принцессой Хуаной, на стороне которой находились многие представители феодальной знати и португальский король.

Драматургу удалось создать не только яркие образы отдельных представителей крестьянства (Лауренсья, Фрондосо, Эстебан, Менго и Паскуала), но и образ коллектива, народа, массы и раскрыть основные социально-психологические черты этого образа.

Тема любви Лауренсьи и Фрондосо, начинающаяся в пасторальных тонах, также приобретает черты высокой патетичности и героизма. Тщательно разработанные в психологическом отношении образы главных действующих лиц

пьесы — Лауренсьи и Фрондосо — олицетворяют целомудрие и благородство чувств, свойственные крестьянам, в противоположность моральному падению и развращенности феодальных верхов.

Социально-политическая концепция пьесы заключается в утверждении идеала «демократической монархии», опирающейся на городское сословие и сельскую демократию.

5. Теория остроумия. Поэзия Гонгоры. Гонгоризм и консептизм. Консептизм

В испанской литературе XVII века две разновидности «темного и трудного стиля» получили названия соответственно культеранизма (culteranismo), преимущественно развившегося в поэзии, и консептизма (conceptismo) в прозе.

Однако «разница между культеранизмом и консептизмом не исчерпывается различием сфер их бытования (поэзия — проза) и распределением по жанрам». Культеранизм, в отличие от всей остальной литературы XVII века, не вводит новые темы или сюжеты, которые принципиально отличались бы от ренессансной поэзии, зато предлагает их новое стилистическое решение. Мироощущение человека XVII века таково, что он не видит точки опоры во внешнем мире и поэтому ищет её в себе, в своем внутреннем мире, в своей душевной гармонии, при этом ставка делается на способность к интеллектуальному сопротивлению хаосу жизни (неостоицизм), вот почему культеранисты используют в своей поэзии сложный метафорический стиль, как бы пытаясь ухватить с помощью аллегорий, необычных тропов изменчивую суть жизненных событий. Лучшим образцом культеранизма считается поэзия Гонгоры, название его стиля — «гонгоризм» — стало, по сути, синонимом термина «культеранизм».

9 стр., 4289 слов

Античный мир в трагедиях Еврипида Ипполит и Сенеки Федра

... студентки Бехтеевой Светланы Владимировны 1. Тема работы Античный мир в трагедиях Еврипида «Ипполит» и Сенеки «Федра» 2. Время сдачи студентом законченной работы _________ 3. Исходные данные ... Перечень вопросов, которые следует рассмотреть 1.Сравнительный анализ трагедий. 2.Трактовка религии и богов в произведениях Еврипида «Ипполит» и Сенеки «Федра». 3.Понятие «человека добра» и судьба смертного в ...

Принято делить творчество Гонгоры на два периода — «ясный» (до 1610) и «темный». В первый период он пишет лирические и сатирические стихи — традиционные сонеты, романсы, летрильи. Плоды второго периода — «Ода на взятие Лараче» (1610), мифологическая поэма «Сказание о Полифеме и Галатее» (1613) и венец поэзии Гонгоры, одна из вершин испанского стихотворного искусства — цикл пасторальных «Поэм уединения» (исп. Soledades, другое значение слова — печаль, любовная тоска).

Из задуманных четырех поэм («Уединение в поле», «Уединение на берегу», «Уединение в лесу», «Уединение в пустыне») написаны только первая и часть второй. Созданное Гонгорой в этот период причисляют к «ученой» поэзии, так называемому культеранизму или культизму (исп. el culteranismo, el cultismo) — течению барочной словесности, на протяжении жизни Гонгоры вызывавшему острую литературную полемику. Его противниками выступали Лопе де Вега и Франсиско Кеведо.

Консептизм тоже возник в поэзии, его основателем считается испанский поэт Алонсо Ледесма, автор поэтической книги «Conceptos espirituales» (примерный перевод: «Интеллектуальные загадки», «Духовные озарения», «Духовные зачатки»), однако затем консептизм развивался преимущественно в прозе, в произведениях Кеведо, Гевары, Грасиана и др. Консептизм, в отличие от культеранизма, не стремится намеренно затемнять смысл явлений и специально усложнять поэтический язык — «смысл этот и без того темен, оккультен, сокрыт». Пафос консептизма как раз состоит в том, чтобы понять эту сложность жизни, расшифровать её «темный и трудный» смысл. Консептизм — «ясный период» в творчестве Гонгоро.

6. Драматургия Кальдерона и значение философской метафоры в пьесе Кальдерона “Жизнь есть сон”.

Вершинным явлением испанского барокко по праву считается творчество великого драматурга дона Педро Кальдерона.

Основу мировоззрения Кальдерона составляли религиозные идеи, «но они нередко истолковывались им в духе раннехристианских демократических идеалов и совмещались с идеями неостоицизма.

В творчестве Кальдерона, насчитывающем 120 светских пьес, 78 ауто и 20 интермедий, исследователи выделяют два направления – светское, или реальное, и клерикальное.

К первому относятся знаменитые комедии «Дама-невидимка» (1629), «Сам у себя под стражей» (1635), драмы чести «Живописец своего бесчестья» (1648?), «Врач своей чести» (1633–1635), «Саламейский алькальд» (1642–1644).

Драматургия Кальдерона строится на противопоставлении обыденного и исключительного, света и тени, земного и небесного. В поисках смысла земного бытия драматург находился постоянно. Его настроения и мысли в полной мере отразила философская драма «Жизнь есть сон» (поставлена на сцене в 1635 году).

12 стр., 5884 слов

II. 2.1. Классицизм в творчестве Пьера Корнеля ()

... Пьер Корнель, Жан Расин и Жан-Батист Мольер. Пьер Корнель () – величайший драматург французского классицизма. Именно его творчество является своеобразным эталоном классицистической трагедии, хотя современники не ... во главе с королем, наделенным абсолютной властью. Все сферы политической и общественной жизни Франции были подчинены интересам государства. Поэтому неслучайно в это время получает ...

В драме «Жизнь есть сон» действие происходит в Польше. Метафора «жизнь есть сон» наполняет философским смыслом все содержание действия и выступает в качестве принципа жизни, ее своеобразного символа.

Король Басилио узнает из предсказания, что должен погибнуть от руки своего еще не рожденного сына. Беспокоясь о будущем, он принимает решение навсегда поселить наследника престола в башне. Сехисмундо – человек, потому что мыслит, чувствует, но в то же время он – зверь, которым движут животные страсти.

Король Басилио решает проверить предсказание. Он хочет испытать, может ли смягчиться судьба, если человеку хоть отчасти суметь отречься от себя. Очнувшись, наследник трона проявляет свою необузданную дикую энергию, животную страсть и злобу. Драматург во всем винит короля Басилио, не поверившего в сына, но подчинившегося предсказанию.Кальдерон показывает, что Сехисмундо сознательно культивирует в себе зло. Об этом свидетельствуют все его поступки, высказывания.

Месть и ненависть движут Сехисмундо, поэтому король Басилио вынужден срочно прекратить испытание. В следующей сцене принц очнется вновь в своей башне-тюрьме. В тот момент, когда принц, во сне, решает разделаться с отцом и мысленно торжествует, он просыпается и с ужасом обнаруживает себя прикованным к стене. Теперь Клотальдо убеждает Сехисмундо, что все происходившее было только сном.Сквозь призму метафоры «жизнь есть сон» воспринимается и вся жизнь. Это убеждение позволит Сехисмундо преодолеть свой эгоизм и укротить буйство, честолюбие. В третьей хорнаде перед нами предстанет совсем другой правитель Сехисмундо – мудрый, способный к самопостижению и саморазвитию. Для него, как и для автора, жизнь не только сон, но подготовка к другой жизни. Реальный мир – мираж.

7. Литературная деятельность Малерба и ее место в формировании французского классицизма.

В первой четверти 17 века происходит постепенное формирование поэтической системы классицизма, преимущественно в области лирики. Ведущая роль принадлежит здесь Франсуа Малербу (1555—1628), который считается основоположником классицизма во Франции. Главное место в поэтическом наследии Малерба занимают оды и стансы, посвященные членам королевской семьи, сонеты, элегии, эпиграммы, обращенные к друзьям и литературным противникам, а также парафразы псалмов. Любовная лирика Малерба отличается холодной рассудочностью, что связано с его общетеоретическими позициями.

Роль Малерба в выработке классицистской доктрины оказалась более значительной и исторически более долговечной, чем его поэтическое творчество, хотя он не оставил сколько-нибудь цельного обобщающего свода своих теоретических положений. Они разбросаны в различных письмах, небольших сочинениях.

Малерб требовал от поэзии ясности мысли, точности выражения, тщательно продуманной и отчетливо воплощенной задачи, отшлифованной внешней формы. Именно он выдвинул понятие хорошего вкуса как критерий высокого поэтического мастерства. Поэтическому воображению, фантазии, напротив, он не придавал значения и решительно выступал против любых попыток утвердить в поэзии субъективную, «оригинальную» форму выражения.

Малерб вел борьбу против вычурной и замысловатой образности, перегруженной метафорами, против злоупотребления мифологическими именами, против чрезмерной орнаментальности, характерной для поэзии его времени и затемняющей смысл стихотворения. Малерб много сделал для того, чтобы очистить французский литературный язык от многочисленных провинциализмов и архаизмов, а также от засилья греческих и латинских заимствований или ученых новообразований, введенных поэтами Плеяды в XVI в.

5 стр., 2174 слов

РОЛЬ ЛИТЕРАТУРНЫХ РЕМИНИСЕНЦИЙ В «МАЛЕНЬКИХ ТРАГЕДИЯХ» АЛЕКСАНДРА ...

... танатосом. Множество внутренних связей, художественная структура, собственно, сама композиция и форма «Маленьких трагедий», превосходит в сложности многие произведения, даже созданные впоследствии мировой литературой. Творческие идеи ... придал им новую форму и ушел гораздо дальше своих предшественников. Отголоски из Мольера с его невнятным Доном Жуаном, не помешали, а помогли рождению поразительного ...

Языковой пуризм Малерба, устранение из языка всего случайного, ориентация на общий для всей нации лексикон и прежде всего на его образец — язык столицы — отражали те тенденции к политической и культурной централизации, которые характерны для Франции XVII в. Вместе с тем пуризм Малерба не носил социально замкнутого характера, который впоследствии обнаруживается у его продолжателей — составителей словаря Французской Академии. Ориентиром для него служил разговорный язык широких слоев парижского населения.

Малерб стал первым законодателем в области французского стихосложения. Сформулированные им правила метрики — фиксированное место цезуры (паузы внутри стиха), запрещение так называемого enjambement («переносов» части фразового единства из одной стихотворной строки в другую) и некоторые другие — прочно вошли в поэтику классицизма и были впоследствии подтверждены в стихотворном трактате Буало «Поэтическое искусство». Позднее они были усвоены поэтической теорией и практикой в других европейских странах, в том числе и в России.

8. Эволюция творчества Корнеля. Трагедия “Сид”

Корнель постепенно перешел от ранних комедий и трагикомедий к тому жанру, который теоретики классицизма утвердили как высший. Всенародную славу Корнелю принесла его первая оригинальная пьеса «Сид», поставленная в январе 1637 года.

Трагикомедия — жанр барочный, смешанный, резко критиковавшийся классицистами. Ставя в подзаголовок «трагикомедия», Корнель указывает на то, что у его пьесы счастливый финал, не мыслимый для трагедии, которая должна заканчиваться смертью главных героев.

Родриго, влюбленный в Химену, вынужден вызвать на поединок отца своей возлюбленной, графа Гормаса, который нанес оскорбление его отцу дону Диего. Родриго колеблется между любовью и долгом родовой чести, ему больно терять Химену, но в конце концов он выполняет свой сыновний долг. После смерти отца Химена не может в одночасье разлюбить Родриго и оказывается точно в такой же ситуации: ей предстоит сделать столь же мучительный выбор между любовью и дочерним долгом мести убийце отца, и, столь же идеальная героиня, как ее возлюбленный, Химена требует у короля смерти Родриго. Однако ночью Родриго возглавляет отряд, отражающий внезапное нападение мавров. Его патриотический подвиг и верная служба королю служат толчком к благополучной развязке. Король принимает решение о поединке между Родриго и защитником Химены доном Санчо: кто одержит верх в этом поединке, тот и получит руку Химены. Когда перед трепещущей в ожидании Хименой появляется дон Санчо — он послан к ней победившим его Родриго, — она, полагая, что Родриго убит, обнаруживает свои истинные чувства. После этого Химена вынуждена отказаться от мести за отца, и король назначает время их с Родриго свадьбы.

13 стр., 6347 слов

"Отелло" как трагедия обманутого доверия

... подсказала поэту тайну психологии Ричарда III и светлые образы комедий. Он повторил эту психологию и в трагедии «Отелло», но и здесь уже переработкой своего источника показал, ... к жизни. Важнейшие – «Цимбелин» (1609), «Зимняя сказка» (1610), «Буря» (1612). В своих трагедиях Шекспир подходит вплотную к самым великим, жгучим вопросам человеческой жизни и дает ...

Корнель находит сюжетное и психологическое разрешение конфликта, введя в пьесу еще одну, высшую градацию долга, перед которой равно умолкают и долг индивидуальной любви, и феодальный долг родовой чести. Этот высший долг — долг перед своим монархом, перед своей страной, который оценивается в пьесе как единственно истинный. Соблюдение этого высшего долга выводит Родриго из поля действия обычных норм, отныне он национальный герой, спаситель трона и отечества, король благодарен и обязан ему, поэтому все требования долга, действующие для простых людей, отменяются по отношению к нему государственной необходимостью. И этот моральный урок делает «Сида» показательным произведением ранней поры классицизма.

Столь же типичны для классицизма способы и приемы создания характеров у Корнеля. Нация в эпоху Ришелье находилась в «героическом» периоде истории, и корнелевский герой призван был воплотить мечту о подлинном величии и благородстве. Герои Корнеля неизменны: положительные — в своей верности, отрицательные — в своем коварстве.

9. Раннее творчество Расина. “Андромаха”.

Жан Расин (1639–1699) — крупнейший представитель классицистической трагедии. Расин впервые обратил на себя внимание одой «Нимфа Сены», написанной в 1660 г. по случаю свадьбы Людовика XIV. К этому же раннему периоду относится сотрудничество с Мольером, который поставил его первые трагедии «Фиваида, или Братья-враги» (1664), «Александр Великий» (1665).

Второй этап творчества Расина охватывает 1667–1677 гг. Он открывается трагедией «Андромаха» («Andromaque», пост. 1667, опубл 1668), ставшей поворотным пунктом в истории французской классицистической трагедии. В этой трагедии впер-вые воплотились художественные идеи Расина. Сюжет взят из древнегреческого мифа о Троянской войне, но так обработан, чтобы воплотить конфликт чувства и долга и идею «трагической вины» героев. Персонажи трагедии связаны между собой отношениями в соответствии со структурой пасторальных романов XVII века: любовь каждого героя оказывается безответной. Но если в пасторальных романах действовали пастухи и пастушки, то в трагедии действуют властители, от-ветственные за судьбы своих народов, государств. Это и позволяет раскрыть основной классицистический конфликт — борьбу между долгом и чувством. В отличие от трагедий Корнеля, в «Андромахе» нет оптимистического финала.

Расин представляет трагедию классицизма иначе, чем это делал Корнель.Очень хорошо раскрыл различия между Корнелем и Расином их современник Лабрюйер. Он писал: «Корнель нас подчиняет своим характерам, своим идеям. Расин смешивает их с нашими. Тот рисует людей такими, какими они должны быть, этот — такими, какие они есть. В первом больше того, что восхищает, чему нужно подражать, во втором больше того, что замечаешь в других, что испытываешь в самом себе. Один возвышает, дивит, господствует, учит; другой нравится, волнует, трогает, проникает в тебя».

Расин изображает тот же классицистический конфликт между долгом и чувством, что и Корнель. Он тоже целиком на стороне долга, разума, добродетели, которые должны обуздать страсти человеческого сердца. Но, в отличие от Корнеля, Расин показывает не победу долга, а, как правило, победу чувства. Расин, в отличие от Корнеля, видит нравственность не в гражданских чувствах, а в добродетели. Конфликт переносится внутрь души героев, в мир их интимных чувств. Для Расина не характерны герои, поражающие величием своей души.

Драматург принимает положение Аристотеля о «трагической вине»: героям «надлежит быть средними людьми по своим душевным качествам, иначе говоря, обладать добродетелью, но быть подверженными слабостям, и несчастья должны на них обрушиваться вследствие некоей ошибки, способной вызвать к ним жалость, а не отвращение»,— писал Расин в предисловии к трагедии «Андромаха». Он выступает против «совершенных героев». Его персонажи выглядят более реальными, чем в трагедиях Корнеля.

10. Новый тип трагедии у Расина. “Федра”

Второй период заканчивается трагедией «Федра» (1677).

Расин особенно высоко ценил эту трагедию, в которой, по его мнению, лучше всего осуществлены цели театра.

В пре-дисловии к «Федре» он писал: «Могу только утверждать, что ни в одной из моих трагедий добродетель не была выведена столь отчетливо, как в этой. Здесь малейшие ошибки караются со всей строгостью; один лишь преступный помысел ужасает столь же, сколь само преступление; страсти изображаются с единственной целью показать, какое они порождают смятение, а порок рисуется красками, которые позволяют тотчас распознать и возненавидеть его уродство. Собственно, это и есть та цель, которую должен ста-вить перед собой каждый, кто творит для театра…»

Расин снова прибегает к «трагической вине» как основе для развития и обрисовки характеров. С этой целью он изменяет миф. Согласно мифу, жена афинского царя Тесея Федра полюбила своего пасынка Ипполита, сердце которого не знало любви. Признавшись в своих чувствах Ипполиту и боясь, что он расскажет обо всем Тесею и навеки обесчестит не только ее, но и ее детей, Федра оклеветала Ипполита. Она сказала Тесею, что Ипполит требовал от нее любви, и после этого покончила с собой. Тесей просит бога Посейдона убить ставшего ему ненавистным сына, Ипполит погибает. И тут раскрывается правда.

В этом мифе некоторые детали не соответствовали замыслу Расина. Если Ипполит ни в чем не повинен, он не должен погибнуть. Если Федра клевещет на Ипполита, то она не может вызвать сострадания у зрителей. Драматург вносит изменения в миф: в его трагедии Ипполит тайно влюблен в Арикию, дочь врага его отца Тесея. Таким образом, его любовь противоречит долгу, появляется «трагическая вина», и гибель его становится оправданной законами расиновской трагедии. На Ипполита клевещет не Федра, а ее кормилица Энона. Федра, узнав об этом, прогоняет свою верную служанку, и та бросается в море. Федра же отравляется и перед смертью во всем признается.

Расин не изучает внутренний мир реального человека, а моделирует его в соответствии с определенной установкой. Драматург создает философскую трагедию, не случайно в предисловии он ставит рядом театр и философию античных авторов: «Их театр был школой, а добродетель преподавалась в нем с неменьшим успехом, чем в школах философов. Вот почему Аристотель пожелал установить правила для драматического сочинения, а Сократ, мудрейший из мыслителей, не погнушался приложить руку к трагедиям Еврипида».

В философской трагедии характеры важны не сами по себе, а как иллюстрации определенных идей. В «Федре» образ главной героини призван осветить идею добродетели. Но хотя создание образа Федры было для Расина не целью, а средством раскрытия идеи добродетели, он по-новому понял задачи воспроизведения характера в литературе, став одним из основоположников психологизма во Франции. Он показал один день (последний день) ее жизни. Страсть, терзавшая ее многие годы, достигла в этот день высшего напряжения, из скрываемой впервые стала явной и привела к трагической развязке.

Исследование скрытой от глаз внутренней жизни человека, введение принципа психологизма во французскую литературу — великий вклад Расина в искусство.

11.“Поэтическое искусство” Буало и система жанров во французской литературе

«Поэтическое искусство», самое знаменитое произведение Буало, долгое время считалось учебником классических «правил», которым современники будто бы вынуждены были подчиняться. На самом деле Буало лишь обобщил то, что уже стало общепринятым в эстетике классицизма. При этом ему удалось создать подлинно художественное творение: его наставления заключены в изумительные по звучности и изяществу александрийские строфы. Для Буало ясность, правильность, четкость формы и стиля представляли ценность не сами по себе, а как способ очистить литературное произведение от всех погрешностей, мешающих читателю получить полноценное эстетическое впечатление. «Поэтическое искусство» состоит из четырех песен, тесно связанных между собой. В первой из них прославляется разум как источник прекрасного; вторая посвящена оценке различных лирических жанров — оды, элегии, сонета, баллады, эпиграммы, идиллии; третья — центральная — содержит характеристику драматических жанров и эпоса; в четвертой рассматриваются вопросы писательской этики и утверждается общественное значение литературы. Трактат Буало обращен к избранным — тем, кто обладает поэтическим даром. Но этим избранникам нужны советы и система, которая состоит из «вечных» категорий. Решительно защищая правдоподобие и противопоставляя его истине, Буало разделял со многими своими собратьями уверенность в том, что поэт должен прежде всего утверждать добро. Однако ему был чужд педантизм, присущий многим адептам доктрины, в частности Жану Шаплену.

12. Прециозная культура и нравоописательная проза.

Прециозная культура («прециозный» — франц. précieux, первоначально — драгоценный, от лат. pretiosus, а затем также изысканный, жеманный) — литературное направление, возникшее во Франции в начале XVII в. в придворно-аристократической среде и просуществовавшее до 60-х гг. XVII в.

Основные черты прециозной литературы — отказ от изображения реальной действительности, идеализация аристократии и особый утонченный литературный стиль, отличный от обыденной «вульгарной» речи.

Прециозная школа оформилась в атмосфере аристократических салонов. Наибольшей славой пользовался салон маркизы Рамбулье, считавшийся законодателем светских нравов и литературных вкусов.

Здесь отшлифовался лит-ый аристократический язык с его боязнью вульгаризмов, изысканными перифразами, напыщенной риторикой, неумеренным гиперболизмом. Литературным отражением салонной жизни были бесчисленные мадригалы, сонеты, рондо, послания, представлявшие собой легкую, изысканную светскую беседау в стихах с ее острословием, вычурными оборотами, словесной игрой, поэтическими загадками, каламбурами. Любовь, точнее галантная влюбленность, культ дамы, мелкие эпизоды светской жизни — обычная тематика этой поэзии.

В области монументальных жанров (роман, поэма) и драмы это была пастораль в ее различных вариациях — «Аркадия» Саннадзаро, «Верный пастух» Гварини, «Диана» Монте-майора, «Галатея» Сервантеса.

Пастушеский жанр существовал во Франции еще в XVI в. Но именно прециозники сделали пастушков и пастушек центральными персонажами своих драм и романов. «Изучение человеческого сердца», мифологизм и лирические реминисценции, внешняя декоративность, риторическая декламационность как нельзя более отвечали запросам изысканной публики.

Используя образы, мотивы, композиционные приемы итальянской и испанской пасторали, Оноре д’Юрфе создает свою «Астрею» (выходила частями с 1607 до 1627), ставшую образцом французского прециозного пасторального романа и породившую ряд подражаний. В романе действие перенесено в Галлию V в., на берега озера Линьеон; главные персонажи романа — пастушки́ и пасту́шки, «но не те пастухи, которые не знают иной жизни, а те, которые нашли в этой сладостной жизни благородное отдохновение», говорит один из героев романа, вокруг них нимфы, друиды, придворные сказочной королевы Амасис. Пастушеский посох и свирель символизировали бегство аристократа от окружающей действительности в идеальную страну, где нет иных бурь и треволнений, кроме тех, к-рые причиняет любовь.

Перипетии любовной истории героев романа — Селадона и Астреи — перебиваются множеством вставных эпизодов, вводящих в ткань романа все новых и новых действующих лиц и в большинстве случаев варьирующих те же любовные мотивы. События развиваются чрезвычайно медленно, герои не действуют, а рассуждают, спорят, анализируют различные оттенки и контраверсы любовных переживаний. Эти любовные дискуссии приводят к установлению законченного морального кодекса галантных взаимоотношений между мужчиной и женщиной, к-рыми должны руководствоваться утонченные аристократические натуры. Изысканно аффектированный риторический стиль романа был образцом той речевой культуры, к-рую стремились внедрить в литературу и в быт писатели-прециозники.

Героико-галантный роман, получивший широкое распространение в 40—60-х гг., по существу был лишь некоторым видоизменением пасторального. Античные герои «Клеопатры» (12 частей, 1647) Ла Кальпренеда, «Артамена или Великого Кира» (10 частей, 1649—1653), «Клелии» (Clélie, 10 частей, 1654—1660) M. де Скюдери — те же идеализированные аристократы, изысканные и чувствительные, что и пастушки «Астреи». Любовные перипетии, перемежающиеся с рассуждениями о любви, заполняли все содержание романа. В отличие от пасторалей галантно-героические романы изобилуют авантюрными положениями, к-рые однако не делают произведения более динамичным, т. к. приключенческий элемент разбавлен бесчисленными описаниями и длительными рассуждениями. Вычурный орнаментализм и ходульная риторичность прециозников в этом жанре нашли свое наиболее законченное выражение.

13.Становление жанра высокой комедии в творчестве ж.Б. Мольера. «Дон Жуан»

Мольера считают основоположником жанра «высокой комедии», специфику которого в первую очередь на материале мольеровского творчества сформулировал А. С. Пушкин: «…Высокая комедия не основана единственно на смехе, но на развитии характеров, …нередко близко подходит к трагедии».

Комедия «Дон Жуан» была закончена в 1664 г. и поставлена в начале следующего года.

Основное внимание он уделяет столкновению между Дон Жуаном и его слугой Сганарелем. Имя Дон Жуана стало нарицательным для обозначения развратника, соблазняющего множество женщин и потом их бросающего. Это свойство Дон Жуана в комедии Мольера вытекает из его принадлежности к аристократии, которой все позволено и которая ни за что не хочет чувствовать своей ответственности. Дон Жуан — эгоист, но он не считает это дурным, потому что эгоизм полностью согласуется с привилегированным положением аристократа в обществе. Портрет аристократа дополняется безбожием, полным презрением к религии.

Аристократическому вольномыслию Дон Жуана противопоставляется буржуазное благомыслие Сганареля. На чьей же стороне Мольера? Ни на чьей. Если вольномыслие Дон Жуана вызывает симпатию, то это чувство исчезает, когда Дон Жуан прибегает к лицемерию наподобие Тартюфа. Его противник Сганарель, защищающий мораль и религию, труслив, лицемерен, больше всего на свете любит деньги.

Поэтому в финале пьесы, которая тоже перерастает из комедии в трагикомедию, обоих героев ждет наказание, соразмерное их характерам: Дон Жуан проваливается в ад, увлекаемый туда статуей убитого им Командора, а Сганарель думает о том, что хозяин, проваливаясь в ад, не расплатился с ним. «Мое жалованье, мое жалованье, мое жалованье!» — этими горестными криками Сганареля заканчивается комедия.

Церковники сразу поняли, что Мольер не случайно поручил в пьесе защищать религию такому ничтожеству, как Сганарель. Комедия прошла 15 раз и была запрещена. Издана она была после смерти драматурга, а снова поставлена во Франции лишь в 1841 г.

14. Проблема характера в комедии классицизма. “Тартюф”.

Основное внимание Мольер сосредоточил на создании характера Тартюфа и разоблачении его гнусной деятельности.

Два первых действия комедии — это спор о Тартюфе. Глава семейства, в которое втерся Тартюф, Оргон и его мать госпожа Пернель считают Тартюфа святым человеком, их доверие лицемеру безгранично. Религиозный энтузиазм, который в них вызвал Тартюф, делает их слепыми и смешными. На другом полюсе — сын Оргона Дамис, дочь Мариана со своим возлюбленным Валером, жена Эльмира, другие герои.

Пятое действие, в котором Тартюф, сбросив маску, угрожает Оргону и его семье самыми большими бедами, приобретает трагические черты, комедия перерастает в трагикомедию. Основа трагикомического в «Тартюфе» — прозрение Оргона. До тех пор пока он слепо верил Тартюфу, он вызывал только смех и осуждение. Но вот Оргон понял свою ошибку, раскаялся в ней. И теперь он начинает вызывать жалость и сострадание как человек, ставший жертвой негодяя. Даже счастливый конец не снимает оттенка неблагополучия, возникающего в обществе из-за лицемерия. Имя Тартюфа стало нарицательным для обозначения лицемера.

Герои Мольера, безусловно, предстают в самых различных отношениях, ситуациях, но, как говорил А. С. Пушкин, «у Мольера лицемер волочится за женою своего благодетеля, лицемеря; принимает имение под сохранение, лицемеря; спрашивает стакан воды, лицемеря». Лицемерие для Мольера вовсе не доминирующая черта в характере Тартюфа, оно и есть сам характер героя. У классицистов характер — это отличительное свойство, генеральное качество, специфика того или ного человеческого типа. Характер может быть предельно, до неправдоподобного заострен, потому что такое заострение не искажает его, а, напротив, выявляет. Этим характер отличается от нравов — характерных черт, каждую из которых нельзя заострять до противопоставления другим, чтобы не исказить связи во всей картине нравов. Нравы — это общее, обычное, привычное; характер — особенное, редкое именно по степени выраженности свойства, распыленного в нравах общества.

Особенность мольеровских характеров состоит в том, что тенденция, существующая в действительности, доводится до такой степени концентрации, что герой «выламывается» из естественного, «разумного» порядка.

15. Социальная позиция автора в комедии “Мещанин во дворянстве”

Последняя великая комедия Мольера — «Мещанин во дворянстве» (1670)

Центральный герой комедии буржуа Журден экономически уже властелин, перед ним заискивают не только люди искусства, но и дворяне. Однако в социальной и культурной сфере он еще полное ничтожество.

Конфликт его комедии строится на «безумной» борьбе Журдена с разумным порядком вещей. В творчестве Мольера еще сохраняется, хотя и не во всеобщем значении, и видоизмененная, ренессансная концепция «единой цепи бытия» как воплощения высшей разумности. Согласно этой концепции, все в мире связано и восходит от камня к богу. В каждом звене «единой цепи» тоже действует закон восхождения: среди камней благороднейшим является алмаз, среди металлов — золото, в государстве все восходит к королю, в семье — к отцу, в мире небесных светил — к солнцу и т. д. Мир, таким образом, связан едиными законами. Эта концепция позволила Мольеру придать своей комедии значительность, ни в коей мере не нарушая требования классицизма изображать в комедиях только частные ситуации, отдельные пороки людей.

В комедии два тесно связанных частных сюжета. Как классицист Мольер опирался на античную традицию, итальянскую «ученую» комедию, вводя линию молодых влюбленных, которые стремятся соединиться. Лирическая линия Клеонта и дочери Журдена Люстиль дважды пародийно оттенена: во-первых, более приземленной, но полной искренности любовью слуг — Николь и Ковьеля, во-вторых, расчетливыми отношениями, прикрытыми прециозностью, между графом Дорантом и маркизой Дорименой Вторая сторона сюжета представляет собой развитие традиции французского фарса, изображение утратившего разум отца семейства, который сам вынуждает семью идти на обман и дурачить его.

Обе линии неразрывно связаны (единство действия!), создают цельную систему образов.

Стремление попасть в мир дворян, ставшее характером буржуа Журдена, разрушает гармоничный семейный порядок. Вспомним о «единой цепи бытия»: отец семейства уподобляется королю в государстве, солнцу среди светил. Обязанностью главы семьи является мудрое и гуманное управление в этой маленькой ячейке общества. Журден же становится в одно и то же время и самодуром, тираном, препятствующим Клеонту жениться на любящей его Люсиль только потому, что он не дворянин, и наивным ребенком, которого легко обмануть, играя на его дворянских пристрастиях.

Устами Клеонта (частично выполняющего функции резонера) изложена идея пьесы: «Люди без зазрения совести присваивают себе дворянское звание, — подобный род воровства, по-видимому, вошел в обычай. Но я на этот счет, признаюсь, более щепетилен. Я полагаю, что всякий обман бросает тень на порядочного человека. Стыдиться тех, от кого тебе небо судило родиться на свет, блистать в обществе вымышленным титулом, выдавать себя не за то, что ты есть на самом деле, — это, на мой взгляд, признак душевной низости». Обращает на себя внимание противоречие этой тирады дальнейшему развитию сюжета комедии. Благородный Клеонт буквально через час (обратите внимание, что действие развивается без всякого перерыва) выдает себя за сына турецкого султана, а честные г-жа Журден и Люсиль помогают ему в обмане.

Это объясняется тем, что в эпоху Возрождения концепция «единой цепи бытия» требовала от каждого соответствия своему месту и предназначению. Если какое-то звено разрушилось, вся цепь утрачивает гармонию (например, у Шекспира убийство монарха сопровождается бурей, ливнем, мертвецы выходят из могил и т. д.) и восстанавливается только тогда, когда «вывихнутое» звено «вправляется». Мольер же воспринимает мир не в гармонии, а в движении, он все отчетливее видит невозможность вернуться к прежнему состоянию общества (нужно отметить, что Мольеру уже не свойственно целостное восприятие мира как вселенной, живущей по единым законам, мир для него — это общество и царящие в нем нравы).

Мольер гениально предугадывал идеи, которые будут высказаны через многие десятилетия просветителями и романтиками. Классицисты видели мир соразмерным герою и соответствующим ему (так, героизму корнелевского Родриго соответствовало героическое состояние художественного мира, воссозданного в «Сиде»).

Мольер одним из первых изобразил несоответствие мира и живущего в нем героя.

Французские романтики, изображавшие трагическое противоречие личности и общества или способность сильной романтической личности подчинять себе обстоятельства, не случайно будут видеть в Мольере одного из своих великих предшественников. Но несоответствие мира и героя, т. е. то, что для романтиков предстанет в драматическом, трагическом свете, для Мольера было еще источником комического.